Daniel Day-Lewis nel ruolo del presidente Lincoln

E’ difficile giudicare un film come Lincoln, così colmo di informazioni storiche, ed è difficile stabilire se in tutto l’insieme di dialoghi e conflitti politici ci sia davvero ciò che di essenziale c’è da raccontare su un personaggio così importante. Lincoln è senza dubbio grandioso sotto moltissimi aspetti: dalla splendida fotografia di Kaminski alla dettagliatissima scenografia di Rick Carter alle epiche musiche di John Williams. Ogni dettaglio artistico e tecnico del sempreverde e collaudatissimo team di Spielberg non fa altro che convergere verso un realismo praticamente perfetto. Anche la regia di Steven Spielberg è più perfetta che mai: non c’è altra posizione in cui la macchina da presa starebbe meglio in quel determinato contesto e i suoi movimenti non sono mai invasivi, sempre discreti e funzionali al racconto. Magistrali le interpretazioni di Daniel Day-Lewis, Sally Field e Tommy Lee Jones, tutti perfettamente in parte e credibili nei loro rispettivi ruoli e nell’epoca, coadiuvati da make up e costumi impeccabili. Nonostante l’innegabile bravura di Day-Lewis, c’è da ammettere però che l’obiettivo di rendere davvero umana e profonda la difficile figura, quasi mitologica, del presidente Lincoln non è stato completamente raggiunto, forse a causa del fatto che i “momenti emotivi”, quelli che a Spielberg da sempre riescono meglio, sono un po’ troppo pochi in proporzione alla mole, soprattutto politica e storica, del film. Paradossalmente, i personaggi che a conti fatti risultano più umani sono l’emotivamente sbilanciata Mary Todd/Sally Field, ma ancor più l’antagonista radicale Thaddeus Stevens/Tommy Lee Jones, imperfetto, spontaneo e capace di cambiamento. I difetti principali di Lincoln dipendono più che altro dalla sceneggiatura, che, oltre ad essere un po’ verbosa, tende a proporre i conflitti politici in maniera manichea, rappresentando i repubblicani come portatori di ideali universali, i democratici come antipatici, ma soprattutto tralasciando i moventi politici ed economici di entrambe le fazioni in merito alla questione dell’abolizione o meno della schiavitù.

Sceneggiatura: Luca Miniero, Paolo Genovese, Marco Alessi

Cast: Sergio Castellitto, Marco Giallini, Claudia Gerini, Carolina Crescentini, Eugenio Franceschini, Eugenia Costantini, Ilaria Occhini, Francesca Neri

Uscita: 29 novembre 2012

Leone (S. Castellitto) ingaggia una compagnia di attori, capeggiata da Fortunato (M. Giallini), con l’incarico di interpretare alla perfezione la famiglia che il cinquantenne non ha mai avuto. Basandosi su un film spagnolo sconosciuto, il quale a sua volta aveva già ispirato l’americano Natale in Affitto, il regista di Immaturi e Immaturi 2 – Il viaggio rispolvera una sceneggiatura di qualche fa, scritta insieme all’ex coregista Luca Miniero. Una famiglia perfetta può vantare la presenza di un cast piuttosto nutrito, conosciuto e (con alcune eccezioni) piuttosto in parte, in cui spiccano per bravura Marco Giallini, Claudia Gerini e Ilaria Occhini. Non particolarmente convincente pare invece l’approccio registico di Genovese, soprattutto all’inizio del film e poco felice è anche la scelta delle musiche, che si spostano su una gamma che va dal banale al didascalico e al televisivo. Molto divertenti invece le trovate comiche e farsesche delle scene collettive, da vera commedia degli equivoci: peccato che esse siano alternate da momenti “intimistici genoveseschi” a due, cosa che rallenta un po’ il ritmo del film. Probabilmente ciò accade a causa di questa scrittura a sei mani, che è lo stesso motivo per cui “Una famiglia perfetta” accosta idee opposte e contrastanti riguardo il concetto stesso di “Famiglia” e di “Famiglia perfetta”: a volte sembra che ci si riferisca alla famiglia del mulino bianco (vedi inizio stile pubblicitario), altre volte pare invece che ci sia coscienza che una famiglia, per essere verosimile (e anche perché venga ben interpretata dalla compagnia teatrale) deve pur avere dei difetti evidenti, a volte grotteschi, ripetitivi e fastidiosi (vedi satira della scena della tombolata). Tutto sommato, nel triste e gelido panorama dei neo cinepanettoni mascherati (vedi Colpi di fulmine…), “Una famiglia perfetta” può rivelarsi una buona e simpatica alternativa, anche se non aspettatevela “perfetta”.

Regia: Martin McDonagh

Uscita: 15 novembre

Marty (Colin Farrell), scrittore mezzo alcolizzato, è estremamente in ritardo con le consegna del suo lavoro, ovvero la sceneggiatura di un film chiamato “7 psicopatici”. A Marty manca decisamente l’ispirazione, motivo per cui il suo amico Billy (Sam Rockwell), che di lavoro rapisce cani, cerca di aiutarlo e lo fa forse fin troppo… letteralmente. Presto ci si renderà conto che forse è un realtà mooolto più vicina di quello che si aspettava e – perché no? – anche più complessa e articolata di come la dipingono di solito i film.

“7 psicopatici” ha infatti la particolare caratteristica di distingursi di netto rispetto alle altre pellicole sullo stesso tema perché riesce, senza finire nel diffuso grottesco, a miscelare toni che vanno dal comico al realistico al nonsense al tragico, in particolare grazie al magnifico personaggio dello psicopatico non violento, magistralmente interpretato da Christopher Walken. Il classico psicopatico violento e che si crede dio è invece affidato al misterioso psicopatico mascherato N.1 .

Molto divertente e simpatico anche lo psicopatico Charlie (Woody Harrelson), boss spietato ma che sviene e farebbe qualsiasi cosa per la sua cagnetta Shin Tzu che gli è stata rapita. La simpatica cagnolina rapita simboleggia la meccanicità di certi film sul rapimento: ci potrebbe anche essere buffamente un cane nel ruolo del rapito perché sono personaggi-funzione, messi appositamente per smuovere le vicende del film…

I dialoghi sono frizzanti, ironici: ti spiazzano, fanno ridere e allo stesso tempo riflettere su certi luoghi comuni sugli psicopatici, sul cinema e su molto altro. Tra l’altro, la storia prende una piega del tutto inaspettata nella seconda parte del film, che è totalemente diversa dalla prima e che, in stile “Adaptation” (Il ladro di orchidee), sembra risentire della stessa azione della scrittura di Marty. Valore aggiunto lo danno, senza ombra di dubbio, le scene dei possibili psicopatici da inserire nel film, tra cui quella spiccano quelle di Tom Waits assassino di assassini e del possibile finale epico super-sparatoria alla Kick Ass, suggerito da Billy.

Un cast stellare del tutto valorizzato da un film intelligente e mai banale, che vanta una struttura coraggiosa, un po’ pazza, molto “stratificata” (cit*) ma che non si dimentica di intrattenere.

Interpreti principali:Ben Affleck, Alan Arkin, John Goodman, Bryan Cranston,Clea DuVall, Kyle Chandler, Victor Garber, Tate Donovan

Uscita: 8 novembre 2012

Terzo film da regista per Ben Affleck, Argo catapulta letteralmente lo spettatore nella tesissima atmosfera dell’epoca, le cui premesse storiche vengono inizialmente sintetizzate da uno storyboard, uno storyboard del tutto simile a quello del fasullo film Argo, oggetto che svolgerà un ruolo fondamentale nella vicenda stessa. Il miglior peggior piano possibile per far fuggire illesi sei americani dall’Iran rivoluzionario sembrerebbe proprio quello di farli passare per una troupe cinematografica alla ricerca di location per un film di fantascienza chiamato Argo, che in realtà non verrà mai girato. Il tutto dovrà avvenire in brevissimo tempo e sotto la coordinazione dell’agente Tony Mendez/Ben Affleck, con l’aiuto della Hollywood in decadenza di allora, rappresentata dal mitico John Chambers/John Goodman, un Oscar make-up artist, e da un vecchio produttore interpretato dallo spassoso Alan Arkin. I toni della fotografia e le scene iniziali girate in ufficio richiamano immediatamente alla memoria pellicole eccezionali come Tutti gli uomini del presidente e I tre giorni del condor. La regia di Argo però non sembra rifarsi affatto a questi eccellenti modelli anni Settanta e risulta, a lungo andare, un po’ stancante e poco chiara, sebbene funzionale a ricreare lo stato emotivo confusionale vissuto realmente dai protagonisti della storia. Nonostante la sua inverosimiglianza alle orecchie di chi non ne sia a conoscenza, Argo è basato su un fatto realmente accaduto, al quale è stata tolta la qualifica di segreto di stato. Fatta eccezione di un’aggiunta drammatica nel finale che poteva essere tranquillamente evitata, siamo comunque, in linea con l’etica cinematografica dell’epoca di riferimento, di fronte a uno di quei film che cercano il più possibile di andare a fondo nella ricerca della verità e che vogliono farla uscire fuori, allo scoperto, senza retorica, senza facili entusiasmi e senza rinunciare al lato umano della vicenda. Il bello di Argo è proprio questo, ma non solo: il film ha più livelli di lettura e riesce anche a offrirci un’ottima rappresentazione della decadenza di un certo tipo di cinema d’intrattenimento (e del suo rispettivo ambiente), il quale ha la tendenza di distanziarsi sempre più dalla vita reale, mano a mano che la realtà peggiora. Il segreto, ci rivela Affleck con questo film, sta nel rielaborare questo stesso cinema, in apparenza fantastico e assurdo, e di renderlo una potente metafora della realtà, all’insegna di messaggi criptati di possibile speranza, libertà e salvezza per un popolo in difficoltà. Dall’altra parte, al tempo stesso, è paradossale ma vero che solo un mezzo d’intrattenimento e quindi teoricamente apolitico come il cinema (in particolare attraverso il genere sci-fi, a primo acchitto naif e scollegato dalla realtà contingente) potrebbe rivelarsi un escamotage più salvifico di qualsiasi blitz o trattativa.

Interpreti principali: Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert

Uscita al cinema: giovedì 25 ottobre

Due anziani coniugi francesi, Georges e Anne, vivono tranquillamente la loro vita quando un oscuro male irreversibile sembra colpire l’anziana donna.
Di una perfezione stilistica che sfora nel maniacale, il regista, Michael Haneke, non risparmia mai nulla al pubblico, indugiando il più possibile su ogni particolare umiliante che malattia e decadenza senile possano comportare. La mancanza voluta e completa di ogni pathos e patetismo nei confronti di oggetti di per sé patetici sembra più condurre sulla strada della disumanità e della oggettificazione dell’altro piuttosto che sul tragico e sul sublime.

Alcuni commentatori sono anche riusciti, ingannati dal titolo, a intravedere qualcosa di dolce in questa storia, quando volutamente e ironicamente non è presente alcuna traccia. Anzi al contrario, è evidente una certa dose di voyeurismo con tendenze sadiche nell’approccio alla storia. Forse si tratta di un tentativo di esorcizzare una vecchiaia e una morte sentite tremendamente vicine da parte dell’autore settantenne.

Non dimentichiamo, infatti, che anche quando si parla di “realismo” l’autore è sempre un filtro con la sua poetica e visione di vita, in questo caso un filtro decisamente pessimista e sfiducioso nell’animo umano.

In realtà, però, nella realtà, non è deciso e determinato che ci si riduca necessariamente soli come cani in vecchiaia: se si è completamente soli probabilmente è perché si è sbagliato più di qualcosa nel passato, ma “Amour” di Haneke non è assolutamente interessato ad accennare cause, errori, etc. Ci sono solo i fatti e i fatti sono che la vecchiaia può essere solo una tragedia, a cui porre narcisisticamente fine se possibile.

La mia domanda provocatoria a questo punto è: dato che si sa che la vita per molti è quello che è, c’è davvero bisogno di film così mortiferi e spietati? E c’è bisogno pure di farli vincere a Cannes?

Intendo: esiste davvero qualcuno che non è consapevole che prima o poi dovrà invecchiare e morire?

Forse diversi “incoscienti” in materia possono anche esistere, ma “Amour”, con le sue modalità e espressioni così di nicchia, difficilmente attirerà e raggiungerà mai davvero questa tipologia di pubblico.

Regia: Sam Mendes

Uscita: 31 ottobre

E’ finalmente arrivato nei cinema italiani “Skyfall”, l’ultimo episodio della grande saga di 007, stavolta diretto dall’abile regista premio Oscar Sam Mendes (American Beauty, Revolutionary Road).

“Skyfall” vanta un cast eccezionale, di cui fanno parte anche Ralph Fiennes e Javier Bardem, quest’ultimo di una bravura impressionante nel ruolo del carismatico e inquietante villain “Silva”.

Da una parte, “Skyfall” è un film a sé, spettacolare e completo, che sarà senza ombra di dubbio goduto e apprezzato anche da chi non è esperto della serie di Bond; dall’altra parte, per i più fan, è anche una gradevolissima riserva, mai esagerata, di ammiccamenti e citazioni, a cominciare dai titoli stilizzati (su azzeccata canzone retrò di Adele) ai dialoghi (costellati dalle mitiche e ironiche battute alla Roger Moore), alle strabilianti ambientazioni e scenografie (alla Ken Adam) e grandiose scene d’inseguimento e di scontro, per non parlare della magnifica fotografia di Roger Deakins, semplicemente splendida (una su tutte, la scena conclusiva).

Un altro indubbio pregio del film è quello di distaccarsi dall’eccessivo ammiccante e crudo realismo di Casino Royal (dopo tutto Bond è la stilizzazione di una spia!) e al tempo stesso di disegnare molto bene i personaggi, suggerendone caratteristiche e psicologie che ci aiutano a capire molte cose sulla stessa saga e sulla figura dell’eroe, in particolare grazie al ritorno in patria e al triangolo “amor-boso” Bond-M-Silva.

In parole povere, “Skyfall” è davvero un bel film, ben recitato, ben diretto, ben scritto, a cui sarà davvero difficile muovere critiche. Motivo conduttore è l’inevitabile decadenza che comporta il passare del tempo, la quale va colpendo tutto e tutti, ribaltando relazioni, ruoli, istituzioni e… anche icone cinematografiche!

Interpreti principali: Jacopo Olmo Antinori, Tea Falco

Uscita al cinema: giovedì 25 ottobre 2012

Lorenzo (Jacopo Olmo Antinori) è uno di quei quattordicenni un bel po’ solitari, generalmente definiti “problematici”. Il ragazzo prende la singolare decisione di passare la settimana bianca in cantina, di nascosto. Sua sorellastra Olivia (Tea Falco), una ventenne affascinante quanto stravagante, per caso piomberà letteralmente nella premeditata solitudine del primo, sconvolgendola con i suoi gravi problemi, fin troppo da adulta, di disintossicazione.

Tratto dall’omonimo romanzo di Niccolò Ammaniti, accompagnato dalla splendida “Ragazzo solo, Ragazza sola” di David Bowie (“Space Oddity” su testo di Mogol), “Io e Te” è uno di quei film “piccoli” e poco pretenziosi che ci raccontano storie particolari, ma molto sentite e universali allo stesso tempo.

E’ il grande Bertolucci che, dalla sedia a rotelle su cui è costretto, ci narra sempre con grazia e stile questa bella storia, perfettamente fotografata e naturalmente recitata dai due giovanissimi esordienti.

Per quanto riguarda la questione aderenza libro-film, non è la prima volta che Bertolucci interviene con la propria poetica su un testo letterario. Stavolta è nella risposta ad un’essenziale domanda che si cela una grande differenza tra le visioni di vita di Ammaniti e Bertolucci, e quindi tra libro e film…

Sarà forse che due solitudini non sono più per forza tali e che tutto ciò può forse lasciare un segno nella propria vita?

Articolo correlato: Il Conformista di Bertolucci.

“C’era una volta in America” ha avuto una storia molto sofferta, fatta di versioni (più o meno) mutilate rispetto alle originali intenzioni dell’autore. Un’altra particolarità di questo magnifico film di Leone è che la storia non segue un preciso ordine cronologico, ma un ordine di intimi collegamenti, lo stesso che regola ricordi, pensieri e associazioni della mente.

Sulle note delle splendide musiche di Ennio Morricone e sullo sfondo di una magnifica Brooklyn di inizio secolo, Sergio Leone ci immerge magistralmente in situazioni e personaggi in cui non potremo fare a meno di identificarci, ma senza che il tutto perda il realismo e l’universalità proprie al tempo stesso di questo bellissimo “racconto”.

Molti tendono a definire “C’era una volta in America” un film criptico, uno di quei film che non si vogliono far capire del tutto. Molti tendono a sminuire soprattutto la seconda parte, quella maggiormente ambientata nel presente e in cui ci sono vicende purtroppo di scottante attualità anche ai giorni nostri, sia in America che in Europa. Forse non è semplicemente chiaro ad alcuni che il capolavoro di Leone gioca legittimamente con registri, tempi, toni e tipologie di accadimenti molto differenti, proprio in qualità di “racconto cinematografico”, come dice il titolo stesso e come suggerisce anche il teatro delle ombre cinesi.

Raccontereste mai una storia di giovani newyorkesi negli anni Trenta allo stesso identico modo e con lo stesso identico “stile” di una storia di un vecchio che indaga sul proprio passato alla fine anni Sessanta?

Peccato che qui da noi uscirà ufficialmente nelle sale solamente a dicembre: una delle tante tragedie della distribuzione italiana…